『聲歌』曲解集

我說過我想讓今年的曲解一致到可以串起來變成一篇長文。現在已經寫好兩篇，就來試試看。

19世紀中，因為工業革命與自由主義，歐洲多了一群看戲的人。這群看戲的有錢但沒什麼時間，對古典題材沒有太多興趣，只想看戲放鬆一下。喜歌劇因著客人的要求開始變短、變得不『古典』，成為『輕歌劇（Operetta）』。奧芬巴哈（Jacques Offenbach, 1819 - 1880）的作品
『奧菲斯在冥府（Orphee aux Enfers,1858）』就標記著轉變的開端。

整齣劇分兩幕，共4個景，內容取材自希臘神話中吟遊詩人奧菲斯（Orpheus）下冥府救亡妻尤麗迪斯（Eurydice）的故事。雖說是取材，但整齣劇跟原本悲劇一樣的地方只有「奧菲斯跟尤麗迪斯是夫妻」這點，剩下的跟原作可以說八竿子打不著。劇裡被冥王耍心機拐到冥府的尤麗迪斯過著愉快的生活，奧菲斯怕旁人說閒話，只好下冥府把尤麗迪斯帶回人間。跟著冥王到冥府湊熱鬧的神王朱比特（Jupiter）也煞到尤麗迪斯，就耍了點心機讓尤麗迪斯可以留在冥府，不用跟著怨偶回人間，而奧菲斯也有理由跟旁邊說閒話的交代。皆大歡喜的收場。

序曲作為歌劇摘要，自然就把幾段重要的主題給交代了一下。開場歡樂的旋律表明這是一齣『喜劇』，接著一哀一樂的兩段旋律詮釋奧菲斯與尤麗迪斯這對怨偶的哀怨，與對小三的愛戀。中段緊湊的旋律描寫著奧菲斯下冥府的艱辛。在曲子最後，奧芬巴哈安排了第二幕串場的嘉和舞曲（Galop Infernal, 就是大家熟知的康康舞曲），在喧嘩嬉鬧的氣氛下結束全曲。


反 觀德奧，日耳曼人好像不太寫嚴肅歌劇。莫札特( Wolfgang Amadeus Mozart, 1756 - 1791)的『魔笛（Die Zauberflöte, 1791）』之後，好像除了韋伯（Carl Maria von Weber, 1786 - 1826）的
『魔彈射手（Der Freischütz, 1841）』，就要到華格納（Richard Wagner, 1813 - 1883）才有重要作品出現。反而，日耳曼人好像比較喜歡輕歌劇這樣黑色又辛辣的戲劇題材。小約翰史特勞斯（Johann Strauss, Jr., 1825 - 1899）的『蝙蝠（Die Fledermaus, 1874）』、蘇佩（Franz von Suppe, 1819 - 1895）的『詩人與農夫（Dichter und Bauer, 1846）』、『輕騎兵（Leichte Kavallerie, 1866）』都在輕歌劇歷史上佔有相當重要的歷史地位。

奧地利作曲家雷哈爾（Franz Lehar, 1870 - 1948）的三幕輕歌劇『風流寡婦（Die Lustige Witwe, 1905）』是他最重要的代表作品。除了在題材上的創新（有錢熟女周旋在眾男人之間）讓聽膩大男人主義的觀眾們有不同的選擇外，輕鬆詼諧的曲風，以及男女 主角自然的對白，讓這齣劇情有點老套的輕歌劇歷久不衰。本次演出選擇劇中最有名的幾個片段：開幕舞會的大合唱、第二幕開場的
『薇莉亞之歌（Vilia）』、最後男主角終於向女主角告白的大合唱，用管樂團演出，呈現劇中輕鬆詼諧的氣氛。

與『奧菲斯在冥府』差不多的時間，嚴肅歌劇（Opera Seria）除了因應觀眾群與價值觀的變化在題材上創新：更聳動、更血腥，與機械裝置的改進促使舞台佈景變得更華麗、更多變，還在歌劇結構上進行兩個相反方向的演進：一邊以華格納（Wilhelm Richard Wagner, 1813 - 1883）的『尼貝龍的指環（Der Ring das Nibelungen, 1869）』與『帕西法爾（Parsifal, 1882）』為集大成，以古典的愛恨情仇為底，用繁複的劇情與長度尋求現代的解答；另一邊濃縮劇情，以簡化的劇情與更高超的唱腔挑戰更高的張力。





馬士康尼（Pietro Mascagni, 1863 - 1945）的獨幕歌劇『鄉間騎士（Cavalleria Rusticana, 1890）』是他的第一部作品，也是現今少數還有在演出的作品之一。整齣劇雖然只有一幕，但故事中的背叛、悔恨與誤解卻讓整部歌劇充滿令人窒息的壓力。這首間奏曲放在歌劇的最後高潮之前，緩慢優美的旋律就像威爾第（Giusseppe Verdi, 1813 - 1901）著名的歌劇小品『西西里晚禱（I vespri siciliani, 1855）』的序曲一樣令人放鬆。這樣的慢版改編給管樂團演出對管樂團來說是個不小的考驗，指揮對曲子的了解、還有樂手對每個音符，甚至休止符的詮釋，都會讓整首曲子變得非常不一樣。


輕歌劇後來跟著19～20世紀極為繁盛的大西洋貿易傳到新大陸。在新大陸揉合爵士與古典，以「音樂劇（Musical Theatre）」的面貌傳回歐洲，尤其是法國。『悲慘世界（Les Misérables）』、『丁丁歷險記 - 太陽神的囚徒（Tintin - Le Temple du Soleil）』、『鐘樓怪人（Notre Dame de Paris）』以不同於美國音樂劇奔放熱情的緊湊精緻，在歷史上留下足跡。

    「丁丁歷險記（The Adventure of Tintin）」從1929年開始連載直到1986年作者過世為止，橫跨20世紀最不安與變化最大的時期。男主角「丁丁」以記者身分深入各地險境探險迎救朋友的故事情結，直接影響後來冒險類型電影對主角的描述（看看印第安那瓊斯與馬蓋先）。『太陽神的囚徒』是系列作品的第14部。丁丁迎救被詛咒的好友「微積分教授」的過程誤闖印加人的太陽神殿被當成祭品獻祭，最後靠著丁丁的機智化解危機。

    2002年改編給音樂劇，Dirk Brossé 作曲。Johan de Meij 擷取其中最具戲劇性的7段。「Rascar Capac」詭異不安、「When the campfire is burning」溫馨、「The Pyre」緊湊刺激，到最後「The Sun」歡喜大結局。片段的連接考驗指揮的想法，不時出現的高音與重擊般的強音挑戰演奏者的技巧與控制能力。

Pietro Mascagni: "Cavalleria Rusticana" Intermezzo

與『奧菲斯在冥府』差不多的時間，嚴肅歌劇（Opera Seria）除了因應觀眾群與價值觀的變化在題材上創新：更聳動、更血腥，與機械裝置的改進促使舞台佈景變得更華麗、更多變，還在歌劇結構上進行兩個相反方向的演進：一邊以華格納（Wilhelm Richard Wagner, 1813 - 1883）的『尼貝龍的指環（Der Ring das Nibelungen, 1869）』與『帕西法爾（Parsifal, 1882）』為集大成，以古典的愛恨情仇為底，用繁複的劇情與長度尋求現代的解答；另一邊濃縮劇情，以簡化的劇情與更高超的唱腔挑戰更高的張力。

馬士康尼（Pietro Mascagni, 1863 - 1945）的獨幕歌劇『鄉間騎士（Cavalleria Rusticana, 1890）』是他的第一部作品，也是現今少數還有在演出的作品之一。整齣劇雖然只有一幕，但故事中的背叛、悔恨與誤解卻讓整部歌劇充滿令人窒息的壓力。這首間奏曲放在歌劇的最後高潮之前，緩慢優美的旋律就像威爾第（Giusseppe Verdi, 1813 - 1901）著名的歌劇小品『西西里晚禱（I vespri siciliani, 1855）』的序曲一樣令人放鬆。這樣的慢版改編給管樂團演出對管樂團來說是個不小的考驗，指揮對曲子的了解、還有樂手對每個音符，甚至休止符的詮釋，都會讓整首曲子變得非常不一樣。

Jacques Offenbach: "Orphee aux Enfers" Overture

好好的『奧菲斯在冥府』變成了『天堂與地獄』......

19世紀中，因為工業革命與自由主義，歐洲多了一群看戲的人。這群看戲的有錢但沒什麼時間，對古典題材沒有太多興趣，只想看戲放鬆一下。喜歌劇因著客人的要求開始變短、變得不『古典』，成為『輕歌劇（Operetta）』。奧芬巴哈（Jacques Offenbach, 1819 - 1880）的作品
『奧菲斯在冥府（Orphee aux Enfers,1858）』就標記著轉變的開端。

整齣劇分兩幕，共4個景，內容取材自希臘神話中吟遊詩人奧菲斯（Orpheus）下冥府救亡妻尤麗迪斯（Eurydice）的故事。雖說是取材，但整齣劇跟原本悲劇一樣的地方只有「奧菲斯跟尤麗迪斯是夫妻」這點，剩下的跟原作可以說八竿子打不著。劇裡被冥王耍心機拐到冥府的尤麗迪斯過著愉快的生活，奧菲斯怕旁人說閒話，只好下冥府把尤麗迪斯帶回人間。跟著冥王到冥府湊熱鬧的神王朱比特（Jupiter）也煞到尤麗迪斯，就耍了點心機讓尤麗迪斯可以留在冥府，不用跟著怨偶回人間，而奧菲斯也有理由跟旁邊說閒話的交代。皆大歡喜的收場。

序曲作為歌劇摘要，自然就把幾段重要的主題給交代了一下。開場歡樂的旋律表明這是一齣『喜劇』，接著一哀一樂的兩段旋律詮釋奧菲斯與尤麗迪斯這對怨偶的哀怨，與對小三的愛戀。中段緊湊的旋律描寫著奧菲斯下冥府的艱辛。在曲子最後，奧芬巴哈安排了第二幕串場的嘉和舞曲（Galop Infernal, 就是大家熟知的康康舞曲），在喧嘩嬉鬧的氣氛下結束全曲。

James Barnes: Symphonic Overture

重寫一篇

James Barnes 對台灣的管樂人來說是一個又愛又恨的名字。
一方面旋律好記而且容易琅琅上口，記譜法也依著以教育為主職
的管樂作曲家的清楚明瞭，減少演奏上的模糊地帶。但另一方面
也因為譜上把句法與表情都清楚記載，所以部分難度較高的段落
對能力未到的演奏者來說相當吃力。同時，Barnes 還將鑽研非調性
作品的心得應用在作品當中，巧妙地將節奏動機或旋律動機互相轉換，
對指揮與演奏者來說都不易掌握。這首「Symphonic Overture」綜合了
他對樂器演奏（Barnes曾是一位低音號演奏者）的了解與複雜的作曲手法。
成為台灣管樂人最想演出，但相當害怕的作品之一。

作品大致分成4個部分，結構類似古典交響曲：快板-慢版-詼諧曲-快板

第一段快板以銅管帶出明亮的第一動機，隨後雙簧管演奏悠揚的第二動機。
樂曲活潑類似進行曲。第二段慢版以英國管、中音 Saxophone與上低音號為主角，
繁複的對位手法將第一段交織的兩個動機轉化成憂鬱富歌唱性的氛圍。第三段銅管
與木管交替出現，互相接龍展現樂手們高度的默契。第四段回到激昂的第一動機，
最後在貫穿全曲的結構動機再現下結束。除了默契的考驗，曲子並沒有明顯的伴奏聲部，
樂手必須在旋律與伴奏間迅速切換，並應付順勢而生的極高（低）音。是一首非常具有
挑戰性，但非常有戲劇張力的作品。

20101115 Igor Stravinsky: L'Oiseau de Feu

如果當初Stravinsky沒有寫這首作品，現在還會有多少人看芭蕾舞？

這部「L'Oiseau de Feu」是Stravinsky芭蕾音樂的起點，也是他掀起世界波瀾的開端。那時候他快要結束跟Rimsly-Korsakov的作曲學習，並發表第一首管弦樂作品「The Firework」。正巧，俄羅斯芭蕾舞團需要一位作曲家，為自己的新作品譜曲，Stravinsky就這樣被推介上去，
寫了這首震驚後世的作品。

整部「L'Oiseau de Feu」是兩幕的作品，中間幾乎沒有間斷。所以Stravinsky在譜曲上以非常緊湊的方式把故事架構出來。另外比較特別的一點是，傳統芭蕾舞劇在進行上有蠻嚴格的規定。
什麼時候要獨舞、什麼時候是雙人舞、群舞又應該什麼時候出來，甚至連拍子、長度都有規定。Stravinsky在譜寫配樂的時候，與編舞家Fokine密集溝通，將這些規範一一破除。使得這首「L'Oiseau de Feu」與前面眾多芭蕾經典截然不同。就拿拍子來說，以前的芭蕾舞劇，拍子一般都使用6/8拍或是3/4拍，方便舞者跳舞；而「L'Oiseau de Feu」從開頭開始就沒有很明確的節奏型態。在複雜的民謠元素與詭譎多變、但華麗非常的配器中，拍子不斷變化。從開頭的12/8拍、中間Prince Igor與L'oiseau de Feu相遇的3/4拍、後面群魔亂舞4/4拍、直到最後大結局的7/4拍，只要情緒一轉變，拍子馬上跟著變。這對舞者來說是非常大的挑戰，不過還好，Fokine並不是照傳統芭蕾舞劇的寫法去寫，所以除了後面的群舞比較麻煩之外，剩下的只要重點拍子有對齊就ok了。

單純把音樂拿出來，「L'Oiseau de Feu」本身就可以講一個故事了。在解放拍子之後，Stravinsky運用他超越Rimsky-Korsakov的配器才華，將音樂張力繃到最緊。尤其在Kashchei的宮殿裡火鳥引誘群魔亂舞的段子，與最後的加冕儀式，Stravinsky分別使用相同的旋律不斷變換配器與速度，從小音量的弦樂器到整團齊奏，讓人用聽的就可以跟到劇情，這樣的手法在Rimsky-Korsakov的作品裡並不常見。雖然這時候還多少看得到一些Rimsly-Korsakov的影子在裡面，但是大體上，Stravinsky算是找到屬於自己的配器語言，經過「The Firework」、「L'Oiseau de Feu」、「Petrushka」到「Le Sacre du Printemps」集大成，完成他第一個型態。

20101019 四四南村

本來沒打算寫這篇文章，看了別人的blog之後，決定把一些看到的感觸整理一下。

「四四南村」是台北第一個眷村，位在四四兵工廠南邊，故舊稱「四四南村」。
後來因為都市計畫面臨拆除，經台北市政府整理，現在改名叫做「信義公民會館」，
是信義區住民的重要休閒場所。

                                                                                             四四南村外的招牌

本來是想慕著「台北第一個眷村」的名號衝去，
結果看到這麼商業的東西，頓時失望了一下。

還好，進去之後看到了 simple market — 傳說中的小農市集。

不過這個小農市集再次讓我失望了。
裡頭除了前面幾個賣菜的看起來像小農之外，
其他的，跟一般的夜市沒什麼兩樣。
而且，架在這樣有歷史成份的環境中，更有一種衝突的感覺。

建築物裡面呢？
很遺憾的，除了外表還保有「眷村」的樣貌外，裡面整個面目全非了

「四四南村」，還有什麼觀賞的價值？
這只是一個一般的社區公園罷了。
原本眷村的氣息，只剩下牆上破舊的春聯，
跟一角刻意不抹掉的塗鴉而已。

好像有點重，
但走了一個多小時，結果找到的是這樣的地方，
相信應該都會失望吧。

這就是四四南村的現況

20100927 謝長恩 - 海之森

有幸在今年8月，參與這首曲子的世界首演。
也有幸，第一次參加大編制作品的世界首演，
而且還是擔任重奏團的一員。

整首曲子聽起來，我覺得很「日本」，
或許是曲子有一大部分在日本完成，
也或許是老團長的學習背景影響，
我好像在曲子裡面聽到類似八木澤教司一般的結構，
與天野正道相似的配器，
兩個人的走向差異蠻大的，但不會不搭嘎。

以「海之森」這個意象去思考這首曲子，
大概可以這樣去思考：
第一段是淺海大陸棚，用明亮、調性的大和弦，
表現大陸棚非常明亮、色彩繽紛的景象。

第二段大概是形容鯨魚那類型的大型生物，
以和緩的旋律表現鯨豚悠遊海中的情景。

第三段應該是海底的甲殼大軍，海底橫行霸道。

第四段則是暴風雨之下海面波濤洶湧的樣子。

第五段式深海1000公尺以下的畫面。
不和諧和弦搭配不斷閃出的奇特聲音，帶來無光世界的弱肉強食。

第六段回到海面，描繪漁民捕魚的景象，
搭配人聲很有震撼效果。

最後一段則再次回到淺海大陸棚，以夕陽落海般閃亮的銅管
表現海洋的無限繽紛與壯闊。

在裡面，我好像聽到這些東西。

不知道，跟原作者想像的差多少？