伊藤康英講座整理 - 「日本管樂發展現況」

 以下是整個大約1.5小時講座的摘要，其中還包括一些我自己的資料整理。

一、日本管樂發展史：

1. 日本管樂發展得很早，從明治維新時期就開始了，只是缺乏有系統的訓練模式。一直到秋山紀夫在1970年代從美國把EWE訓練模式帶到日本後，日本管樂才有比較長足的發展。

2. 除了對外引進教材，1970年代YAMAHA開發出和聲訓練器，配合各種推廣活動，讓日本人很快建立起管樂應有的和聲概念。但時至今日，和聲訓練器有被濫用的趨勢。

3. 日本政府自始至今都未對日本的管樂發展投入補助。所有的樂團發展均靠學校支持以及各地管樂發展協會。

二、日本管樂發展現況：

1. 日本的學校管樂團非常普遍。國小約有5%有管樂團，國中以上超過7成。但真正的明星學校很少，大部分樂團與台灣的一般業餘樂團程度差不多。

2. 樂團的練習時間為週間下午3～5時，一般由學校內專任音樂老師指導。

3. 練習的內容除了器樂演奏，還有各種音樂理論包括和聲對位、演奏法以及器樂主修（聘請分部老師指導）。

4. 近年來因為少子化，非明星學校學生人數不斷減少。導致樂團組成越來越困難，練習時間被迫縮減成每週3～4次。同時減少分部老師聘請的次數，轉由專任音樂老師指導及指揮（不一定為管樂或擊樂主修，也不一定有樂團演奏經驗）。

5. 因應少子化造成的編制缺口，日本作曲家開始創作小編制（約35人左右，非一般管樂團編制）的管樂作品，並且根據樂團編制量身訂做。造成的劣勢是後續演出機會就縮減到最低。

三、創作日本管樂作品的歷程以及心得：

1. 前衛音樂很重要，但是一味只創作前衛音樂，對整個社會是沒有幫助的。更有甚者，這樣的作曲訓練是沒有完成的。但是如何在新的作曲技法與雅俗共賞且在地化間取得平衡，這是作曲家必須面對的功課。

2. 作品在地化過程必須一步步解析在地歌謠的特徵，並且加以融會貫通。以日本歌謠為例，日本音樂並不存在和聲，僅有齊奏與對位關係。因此在寫作日本音樂同時，必須避免在主要旋律使用和聲。另外日本音樂不如西方音樂已將記譜法系統化且要求絕對精準，日本音樂對於「整齊」並不刻意要求，對於旋律間的裝飾奏亦不要求完全一致。故作曲時須特別將「不整齊」與「不一致」納入樂譜中。

3. 但若單純齊奏與對位，於現代管樂中顯得相當單調。故建議可用西方和聲進行概念為作品打底，主旋律及對位部份再以符合日本音樂特徵之作曲手法進行。

4. 遵守樂譜編制。即便特定聲部人數超編亦不可破壞此原則。原因在於聲部間除音量平衡尚有音色平衡。特定聲部擴編或許可在音量上達到平衡，但該聲部會喪失作曲者於作品中設想之音色，進而干擾整部作品之呈現。若人數超編或是演奏能力落差太大，建議更換曲子或是委請作曲家為樂團調整配器。