『一群從小生活在洞穴中的囚徒，看著洞穴外景物的倒影，以為那就是世界。』蘇珊.頌塔在她的『論攝影』第一章，以柏拉圖的洞穴寓言開場。她想挑戰的是什麼？這個問題可以分成兩個層面：對於攝影師，他想反問：你想拍下什麼; 對於觀者，他想反問：你想看到什麼。
攝影不論靜態或是動態，因為成像原理的關係，在一般人眼中它是「真的」。的確，畫面的構成，光影的呈現的確代表某一個時間點在某處發生的某一個真實事件。但，攝影師拍下的真的就是真實事件本身嗎？還是藉由某一個真實事件，攝影師投射在事件上的某一種印象？就觀者而言，對於某個事件的面貌可能會有些預設。是否就因此以那些預設印象作為判斷影像可信度的標準？這些問題，在蘇珊 頌塔的年代，並沒有答案，因為不被反思。但在現代，這個問題經過很多世代攝影家們努力，逐漸形成共識：每一個事件都有不通的面向，攝影師在記錄的同時不可以破壞它。但攝影師要採取那個面向，紀錄並且形成話語，是攝影師的自由。
很久很久沒有看這樣的演出了。
我們努力工作，都是為了要賺錢實現自己的夢。但是工作到最後，常常原本的夢想是什麼，已經不記得了。今天的『魔擊』，用魔術、多媒體影像以及擊樂組合成擊樂劇場的形式，嘗試去點出這件事情來。
夢境中，我們暫時脫離現實，暫時脫離時間的掌握，在嚮往的那個環境中完全的放鬆。但是再美的夢總是會醒，醒來了，還是得低下頭，拿起燈，繼續為著「夢」打拼。
很有意思的是，我們為了夢打拼。只能回到家，在夢中追著自己的夢。醒來，繼續失落著自己的夢還沒實現，繼續為著夢打拼。彷彿是個銜尾蛇，永無止境。
很有趣的題材，很有趣的表現方式。因為舞台上的表演，沒有一樣是「真的」。
但是可惜，真的很可惜。就像隔靴搔癢，碰觸到了什麼，但只是從表面掠過沒有深入。讓整個製作好像少了那麼點持續深思的韻味。
期待下一次，可以更好。
簡單講，就是顏色
1. Roger Cichy - Colours
2. Bert Appermont - Colors (Trombone concerto)
3. Philip Sparke - Symphony No.3 “A Colour Symphony”
4. John Mackey - Hymn to a Blue Hour
以下是整個大約1.5小時講座的摘要，其中還包括一些我自己的資料整理。
一、日本管樂發展史：
1. 日本管樂發展得很早，從明治維新時期就開始了，只是缺乏有系統的訓練模式。一直到秋山紀夫在1970年代從美國把EWE訓練模式帶到日本後，日本管樂才有比較長足的發展。
2. 除了對外引進教材，1970年代YAMAHA開發出和聲訓練器，配合各種推廣活動，讓日本人很快建立起管樂應有的和聲概念。但時至今日，和聲訓練器有被濫用的趨勢。
3. 日本政府自始至今都未對日本的管樂發展投入補助。所有的樂團發展均靠學校支持以及各地管樂發展協會。
二、日本管樂發展現況：
1. 日本的學校管樂團非常普遍。國小約有5%有管樂團，國中以上超過7成。但真正的明星學校很少，大部分樂團與台灣的一般業餘樂團程度差不多。
2. 樂團的練習時間為週間下午3～5時，一般由學校內專任音樂老師指導。
3. 練習的內容除了器樂演奏，還有各種音樂理論包括和聲對位、演奏法以及器樂主修（聘請分部老師指導）。
4. 近年來因為少子化，非明星學校學生人數不斷減少。導致樂團組成越來越困難，練習時間被迫縮減成每週3～4次。同時減少分部老師聘請的次數，轉由專任音樂老師指導及指揮（不一定為管樂或擊樂主修，也不一定有樂團演奏經驗）。
5. 因應少子化造成的編制缺口，日本作曲家開始創作小編制（約35人左右，非一般管樂團編制）的管樂作品，並且根據樂團編制量身訂做。造成的劣勢是後續演出機會就縮減到最低。
三、創作日本管樂作品的歷程以及心得：
1. 前衛音樂很重要，但是一味只創作前衛音樂，對整個社會是沒有幫助的。更有甚者，這樣的作曲訓練是沒有完成的。但是如何在新的作曲技法與雅俗共賞且在地化間取得平衡，這是作曲家必須面對的功課。
2. 作品在地化過程必須一步步解析在地歌謠的特徵，並且加以融會貫通。以日本歌謠為例，日本音樂並不存在和聲，僅有齊奏與對位關係。因此在寫作日本音樂同時，必須避免在主要旋律使用和聲。另外日本音樂不如西方音樂已將記譜法系統化且要求絕對精準，日本音樂對於「整齊」並不刻意要求，對於旋律間的裝飾奏亦不要求完全一致。故作曲時須特別將「不整齊」與「不一致」納入樂譜中。
3. 但若單純齊奏與對位，於現代管樂中顯得相當單調。故建議可用西方和聲進行概念為作品打底，主旋律及對位部份再以符合日本音樂特徵之作曲手法進行。
4. 遵守樂譜編制。即便特定聲部人數超編亦不可破壞此原則。原因在於聲部間除音量平衡尚有音色平衡。特定聲部擴編或許可在音量上達到平衡，但該聲部會喪失作曲者於作品中設想之音色，進而干擾整部作品之呈現。若人數超編或是演奏能力落差太大，建議更換曲子或是委請作曲家為樂團調整配器。
今年的「和平之聲」，我演得很愉快。演奏者都是準備好才進來排練的，所以彼此沒有浪費什麼時間。
話雖如此，今年在思緒上，還是覺得有一些失望。不是在完成度上，是作品的呈現風格上，我發現這不是我要的。特別是在Praise Jerusalem!這首曲子上。
認識它11年，也想了它11年。這首曲子對我來說一直都是非常悲哀、非常血腥的。而今年，我感受到的，是「美」的。一個打仗打了幾千年的城市，會美在什麼地方？
我期待聽到的「不美」沒有出現。
只能說失落，期待未來有一天，我有能力自己處理這首作品。
不曉得有多少演奏者，想過自己要的觀眾是誰。
商業上，產品必須清楚定義自己的潛在客群。包括年齡、國籍、性別、消費能力、消費習慣、蒐集資訊的方式等等，目的就是要讓自己的所以行銷手段可以達到最大化效益。
同樣的，音樂展演不管售票與否，也是一種商品的買賣，只是賣的商品並非實體可用的產品而是一段時間的體驗。
既然如此，目標觀眾的設定應該是製作發想時最需要考慮的事情之一。因為一旦觀眾定義錯誤，不僅票房可能失利，樂團名聲更有可能至此敗壞。
今天賣的是「社團的回憶」，那目標觀眾就會是同社團的老學長學姐，行銷的模式就不會是公開播送而是私下邀約。今天賣的是「用音樂說故事」，那目標觀眾就可以放大成對「故事」有興趣以及對「用音樂說故事」有興趣的民眾，針對這些人會出沒的地方做針對性的宣傳，絕對比廣播式訊息傳遞效益更高。
觀眾的組成影響到哪找觀眾；觀眾的消費能力是節目定價的關鍵；觀眾的地域分佈決定了到哪裡演出會有最大觀眾量；觀眾的消費習慣關係到與其他演出的間隔。
這些事情，我相信一定有很多人在關心在統計。把這些資料抓出來，對於提高宣傳效益還有受眾數量絕對有很大的幫助。
既然是讀後整理，免不了爆雷。無法接受的請右轉出去。以下會用問題與重點整理的方式把整本書想要說的內容給節錄出來。
一、食材：
1. 當遠方適地適種下集約種出優質農產品，透過國際貿易運到手上。且它的探足跡還比本地不適宜環境硬種出來低時，地產地銷還有優勢嗎？
2. 當人道屠宰確實落實時，素食者所謂的殺生的不人道在哪？ 當殺生變成必然時，讓被屠宰的肉品滯銷而後浪費，對經濟動物而言還存在尊重嗎？
二、加工烹調：
1. 「手做」強調的是機器無法複製的「人的溫度」。但是當有一天，連所謂「人的溫度」都被解析，甚至比「手做」更加優質且穩定，手做的意義還剩下什麼？
2. 對於生物體，「個體差異」是無法避免的原罪。既然如此，食譜的意義又在哪？因為每一批食材的狀態所對應的調料、烹調時間、溫度，都不會一樣。
三、吃食：
1. 一個人上館子，原來是一種魯蛇的表現？
2. 對於節食，是否能大方承認自己還是會餓？
3. 到自助餐餐廳，是否能作到只取自己需要的，而非有多少拿多少？
四、飲食的心態與社會責任：
1. 你是否願意分享你作的美味料理？
2. 你是否願意邀請好友，一起烹調，享受烹調當中的愉悅？
3. 你認為的烹調，是分享，還是責任？
4. 當大企業作到社會給予的責任時，「黑心企業」在哪？
每一個問題，都有許多已經習以為常的盲點在裡面，值得不斷深思。
「I have a dream」
「神啊，我有個願望…」
「我正在思考…」
上蒼很公平，祂拿走了強壯的手臂、敏捷的雙腿、綿長的呼吸、敏銳的五官，但留下了複雜無比的大腦。讓人類自從下樹之後不斷的思考著「如果我可以…，該有多好？」，也因此開啟了「大想望時代」。
The Bells of Sagrada Familia / Satoshi Yagisawa
『 El meu client no té pressa（我的客戶不急）.』
因為他的客戶不急，所以「宗座聖殿暨神聖家族贖罪堂（ Basílica i Temple Expiatori de la Sagrada Família ）」一蓋就蓋了134年。這中間歷經第一次世界大戰（1914 - 1918）、經濟大蕭條（1929 - 1933）、第二次世界大戰（1939 - 1945）、西班牙內戰（1936 - 1939）、加泰隆尼亞革命（1979 -）、次級房貸風暴（2009 - 2012），更發生高第建築學校被毀，手稿、模型付之一炬的慘案。今天能夠繼續施工，除了『客戶』的關照，更有高第將自己對這棟建築的心意，化成手稿、照片、模型，以及眾多助手及徒弟。讓這棟高第永恆想望凝聚成的大教堂，永恆地守望巴塞隆納。
Praise Jerusalem! / Alfred Reed
『（神保佑耶路撒冷） ירושלים השבח לאל』
聖城耶路撒冷，人類文明中最古老的城市之一，基督信仰、猶太信仰、阿拉信仰的共同聖地，曾經的『應許之地』。西元前4000年在埃及就有紀錄，建城以來人們仰望它、依賴它，以至於敬畏它、頌揚它。但也因此，三個宗教都想獨占它。在詩篇第147首『讚美耶路撒冷』的古老旋律中，Reed緩緩道出這座千年古城的喜怒哀樂。
西元前1000年，大衛王佔領這裡，開啟了猶太人統治的時代；西元前722年，亞述人；西元前607年，巴比倫人；西元前538年，波斯人；…耶路撒冷在近代3000年內不斷易主，不斷被毀，又不斷重建。祆教、猶太教、基督教、回教在這裡交流、融合。就如同每個身處戰地的古城一般，耶路撒冷到處充滿著以失去顏色的血腥痕跡與槍林彈雨的殘骸。今天的它，同樣身處基督文明與阿拉文明衝突的最前線，被粗暴的分成兩半。什麼時候，兩個半身可以重聚？沒有人知道。可能，連『祂』都不知道。
The Odyssey / Robert W. Smith
在神女Calypso的島上，Ithaca島國王Odysseus在這裡，距離他離開國土，已經17年。這17年來，不知道他有沒有一分一秒後悔過，後悔參加這場與他完全無關的戰爭。
這場戰爭讓他得到了「智將」美名，也讓他得以遵守希臘聯邦的盟約。但，戰爭打了10年，除了美名，一無所獲。因為屠城，燒得精光。若不是一無所獲，他不會帶領剩下的士兵在周圍燒殺擄掠，還刺瞎獨眼巨人cyclops，觸怒海神poseidon。因為觸怒海神，最後在無數風暴海怪中活下來的，只有他自己，最後被神女calypso軟禁在島上，直到兩人結為連理。最後的最後，他還是回到了Ithaca，但面對的，卻是被驅逐的王子與老父王、被強佔的宮殿財產、還有癡癡等待自己回歸卻遙遙無期的妻子。面對這一切，他是否後悔過？我不知道，恐怕只有他自己知道。
看到別人有的，我也想要有，不管偷拐搶騙。看到有趣好玩的，就想要實現，不在乎成本代價。
但，你真的想要嗎？
演出完了，人家說成就取得，但我覺得這是失敗的。找藉口不好，至少自己憑良心講，真的打得很爛。我不應該這麼託大，認為自己可以跟整個樂團尬音量拼體力，也不應該認為自己有那麼多的體力可以陪著他們練到好。就算別人說這是非戰之罪，但是我還是覺得，這是未來要面對的生活，體力不夠就是體力不夠，沒有藉口可以找。對於擊樂團，對於打擊分部，我也覺得不滿。但是不是對學生不滿，看得出來已經盡力了。我的不滿在明明多要求一些，他們可以更好。再嚴格一點，他們的演奏可以更穩定，耳朵可以更開。為什麼我沒有？明明我是個早早把事情做完等著人家驗收的人，為什麼這件事情我會拖這麼久？練習狀況不佳就不上台，這是我自己定下的規矩，為什麼我不忍心徹底執行？如人飲水，冷暖自知。
演得好或不好，台上的自己最清楚。騙不了人，更騙不了自己。第一次聽到這首曲子大概是3年前，那時候只覺得『哇! 這首曲子好華麗啊!』就擺在一邊沒有多想。到2015年底因緣際會下買到這首曲子，仔細看了一下覺得蠻有趣的，就與巡迴的製作人提起想要試試看。也因此，它出現在這裡。
這首曲子名字就叫做「Fantasy for marimba (給木琴的幻想曲)」，所以這首曲子理所當然地沒有太深刻的主題，就是一首挖掘管樂團與獨奏木琴各種聲響變化的作品。雖然被切成4個段落－快、慢、即興、快，但是旋律的走向是連貫的。對我來說，就像是一個走馬看花的貴族優雅地散步，路旁景色時而波光粼粼，時而百花齊放。不一會進到一個幽暗的樹林，四周鬼影幢幢。不久離開叢林，正巧遇上行軍，跟著行軍的步伐一步步堅定地前進。
是啊，努力了，然後就要拍拍手嗎?
練習不得法，為什麼不問?
因為嚴格要求，就不會有溫馨不會有情感?
如果只是同樂會，那辦不辦演出根本沒有差，大家演完爽就好。今天既然決定成為樂團，更決定要演出，除了對自己負責，你能對花時間進場的觀眾負責嗎?
遙想幾年前寫給台管的文章：我是演奏者，我知道舟車勞頓、排練不足都是影響演出的因素。但我今天是觀眾，這些跟我一點關係都沒有。我沒有理由要為了你的排練不足，浪費我2小時的時間。
萬丈高樓平地起，精準的節奏與音準是任何演出的根基，也是任何複雜技巧的根本。拍子不穩，用節拍器放慢練就可以解決了。音準不準，調音器夾著練到準也不是多困難。這樣的方法是很笨，但是有比他更紮實的方法嗎? 我相信沒有。
我該說的，我想說的，我都說了。聽或不聽，不甘我的事。方法我已經給了，有沒有效，有沒有確實，也不是我的責任。
『Toutes les grandes personnes ont d’abord été des enfants, mais peu d’entre elles s’en souviennent.（每個大人都曾經小孩，只是很少人記得。）』
全世界最知名的童書『小王子 (Le Petit Prince)』序言這麼寫著。
在長大的過程，各式各樣的、有趣不有趣的事物不斷進入我們的世界。小時候的我們，只看著自己。直到哪天，有個人走進我們的心裡。為了他，我們付出關懷，為他遮風避雨。就算走得再遠，心中惦記著的還是他。小王子的旅程，似乎也是如此。作曲家樽屋雅德精鍊整部童話，凝聚出了4個最精彩的面向，譜寫成曲。
第一部份：小王子與『我』。對『我』來說，小王子是一個難以歸類的奇妙人物。隨心所欲但喜怒無常。每天的工作就是管理自己的小行星，留下好看的花，拔掉「巴歐巴」。對於小王子來說，『我』是他離開地球之前最後遇到的一個人。他渴望著與『我』分享，但是『我』似乎也是個「奇怪的大人」。
第二部份：小王子的旅行。在尋找水源與修理飛機的過程，小王子跟『我』說著他旅行時候遇到的人們。包括國王、學者、點燈員、以及『我』。他發現，每個人都在做著無聊的事情，而對他的疑問不是毫無興趣，就是敷衍了事。所以他在旅程中最常說的一句話就是「你們大人真的很奇怪」。但是在地球上，他看到了一個開滿玫瑰的庭園。曾經，他的玫瑰跟他說他是宇宙中獨一無二的，如今，他卻看到了成千上萬個玫瑰。那我的星球上的玫瑰，還是獨一無二的嗎？
第三部份：狐狸與小王子。小王子帶著疑惑，遇到了狐狸。狐狸教導他什麼是「馴養」，更告訴他「Ou ne voit bien qu’avec le caeur. L’essential est invisible pour les yeux.（真正重要的東西不是眼睛看得到的。）」你的玫瑰是不是宇宙間獨一朵並不重要，重要的是她還是不是「你的玫瑰」。
第四部份：小王子的歸程。聽完他的旅程，小王子也準備要啟程了。從陌生到熟識，被馴養的『我』，除了在獲救之後，把小王子的故事寫下來，拜託讀者遇到他請告訴『我』，什麼也做不了。傳說中，聖休伯里在一次飛行任務時失蹤再也沒有回家。會不會追尋小王子去了呢？
曲目解說看別人寫，看自己寫，總是會看到很多問題。我把我看到的問題寫出來給各位做參考。或許對於演奏不是很重要，但對於看到文字的人，我所提到的問題會是他們要不要繼續看下去的關鍵。
1. 請設定好你的用途
這份文字準備用在什麼地方? 節目冊? 節目單? 傳單? DM? 主持人講稿? 主持人大綱?...
這份文字要給誰用的? 主持人? 觀眾? 老師?
為什麼這點重要? 因為這會決定你在寫作的時候可以使用的文字有哪些。
給主持人用的就不能太學術化還要盡可能口語化，一方面主持人不一定看得懂，另一方面萬一主持人沒準備上台念稿，也不至於穿幫。
2. 請設定好你的讀者
閱讀這份文字的、使用這份文字的人對於音樂的了解程度到哪? 學過? 進階? 專精? 還是門外漢?
當然一場公開演出無法預料到場的有誰，但是可能到場的聽眾音樂教育程度卻是可以估計的。對於音樂門外漢，不要說銅管木管，連漸強漸弱他們都不會知道。一份文字如果重複出現一些讓讀者沒辦法馬上反應的名詞或是用法，而這些名詞又佔有語意上的關鍵地位，這份文字馬上就會被丟棄不看，因為看不懂。
當然，也可以為了少數「職業的」，寫一些很專業的文字，犧牲剩下超過7成的聽眾。這純粹是自己寫作時候的取捨問題。
3. 請設定好寫作的字數
觀眾拿到節目單、入場、哈拉聊天、坐定，看節目冊、三明三暗、開演。你認為這中間有多少時間? 分配給閱讀節目冊的時間又有多少?一般來說，不會超過10分鐘。
一般受過教育的大學生中文閱讀速度大約3~4字/秒。整份節目單有多少文字，可以統計一下。這樣就可以推算，閱讀完整份節目冊需要多少時間。我沒算錯的話，以一檔演出3首曲子，一首800字計算，光是樂曲解說就有2400字。以比較快的4字/秒進行計算，需要600秒，也就是讀過一遍就要5分鐘。這樣聽眾有時間發現字詞中的妙趣嗎? 聽眾有時間理解文字間的邏輯嗎? 這個問題需要好好思考。
當然，這個不是絕對。如果有辦法寫到讓讀者一看就懂，那寫多一些也無所謂。
4. 請設定好文字的主軸
各位不知道有沒有讀過這樣的文字，文章詞藻華美、內容豐富，但是通篇不知道在講什麼。所有的字都看得懂，但是串起來就是不懂它想說什麼。不諱言，我看到的很多曲目解說都是這樣的東西。
開始寫作之前，請務必先用一句不超過10個字的話，把接下來要寫的文字組織好。這個就是整篇文章的主軸。主軸抓到了寫作就不會東一塊西一塊，意念也會更清楚地傳達給讀者。對於主軸不重要的東西就不要放，放了只是給自己找麻煩。
5. 請重新聯結曲目與文字
曲目解說雖然只是曲目解說，但別忘了演出不是只有一首曲子。為什麼選它? 它出現在這的意義是什麼? 曲目解說的文字必須要能回答這個問題。就算被選入的原因是「我爽」，也要把「為什麼」給寫出來。不然曲目解說永遠就只是曲目解說，沒辦法讓聽眾在聽到樂音之前做好準備。
拉拉雜雜寫這些，最後一件事情提醒：
節目冊是觀眾從進場之後到開演聽到第一個聲音之前，唯一了解演出內涵的媒介。它可以很簡單很隨便，但如果有想要透過演出傳達一些訊息，務必好好製作節目冊，它可以幫助聽眾聽到演出之前就做好準備。
1874年，Mussorgsky參加他的摯友 - 業餘畫家Viktor Hartmann - 過世之後，朋友幫他辦的畫展。 看完畫展，他急急忙忙衝回家，用一種狂熱的姿態不斷譜曲。6週之間，完成了這首15個片段的組曲『Pictures from an Exhibition – A Remembrance of Viktor Hartmann（展覽會之畫 - 紀念Viktor Hartmann）』，成為他流傳後世的極少數作品之一。
到底，Mussorgsky看到了什麼，讓他如此狂熱，彷彿被追逐般的創作？這個問題幾乎已經無法回答，因為Hartmann的畫作絕大部分都已經遺失。就算真的找到畫作，Mussorgsky也已經過世一百多年。生前他沒有特別為他的創作留下蛛絲馬跡，現在我們要回溯他的心路歷程，除非觀落陰，不然永遠都是個懸案。更進一步問，法國作曲家Ravel受託改編這首曲子的時候，他又從音樂裡面感受到了什麼？為什麼第7段的『Bydlo（牛車）』會是如此的灰暗沈重？為什麼第4段的『Il Vecchio Castello（古堡）』是緩慢的圓舞曲？這些疑問，也隨著Ravel的過世，深埋到歷史洪流之中。一切，只剩下聽眾自己的想像。
有人說，第7段『Bydlo（牛車）』描寫的是沙皇統治下貧困百姓永無翻身之日的絕望；也有人說，第10段『Samuel Goldenberg and Schmuÿle（有錢與借錢的猶太人）』用兩種不同性格的旋律描寫借錢人的卑微與有錢人的機車。15個段落，共有10幅畫，5次漫步。有的畫作深沈，讓後面的腳步跟著沈重；有的畫作灰暗，漫步也跟著憂鬱。
你覺得呢？
作曲家Sibelius生長、成名、終老都在芬蘭，他花了一生的時間，嘗試著回答一個之前沒有人回答過的問題：什麼是芬蘭？
雖然不久前，Sibelius創作的『Finlandia（芬蘭頌）』才獲得廣大的成功（包括被俄國禁撥），他仍然覺得芬蘭不是只有這樣。這次，他捨棄單純樂團的演奏方式，以小提琴協奏曲試著描繪他心目中的那個芬蘭。
在凜冽的北國冷風中，透出來的朦朧幻影是什麼？在法國大革命之後，各國努力維持著表面的和平之下，百姓的感受又是如何？在辛勤工作後，慶典歡舞時，又是怎樣的畫面？獨奏家在作品中化身鏡頭，一幕一幕帶著聽眾，看到芬蘭的山川、湖泊、人民、生活。
閉上眼，你看到怎樣的芬蘭？
當初會加入，純粹只是要有個免費的地方可以練琴。
從2006到2015，我看著它成長，自己也跟著成長。
今天我想回顧一下這9年，我看到了什麼。
身為聲子youtube頻道的管理者，有些資訊是外人不知道的。
放在youtube上的這些影片，點閱率最高的是哪一個？
是2008年『管藏I』的『Persis』
當年的影片也是所有發表的年份中，點閱率最高的。
為什麼時間往後，點閱率下降了？
這個樂團的技巧在這些年是往上走，
樂團空間、樂器狀態也是正在成長，
為什麼？
我自己在演出的時候其實很不專心。
只要沒我的事，我一定東張西望看台下。
從2006年起，台下觀眾一年一年增加，到了2010年是高峰，然後迅速走下坡。
為什麼？
換另外一個問題，我為什麼不能專心？
那2008年的時候專心嗎？我記得我是專心的。
為什麼後來不能專心？
這幾年下來，團員的平均演奏能力上升，
但是，與2008年相比，演出來的東西少了點什麼。
現在的聲音是乾淨的，至少相對當年乾淨。
但是，沒有任何的想法，沒有任何的畫面在裡面。
至少，我在台上我想要follow任何一個畫面，我發現我找不到。
沒有畫面、沒有想像，那演出來的是什麼？觀眾聽到的又是什麼？
我不知道多少人是抱著「我想玩好音樂」的心態加入，
至少我感覺到有一部分人不是為了音樂而加入，也不是為了音樂而演奏。
對我來說，這是一個警訊。
代表這個樂團的核心價值正在消失。
剩下還有很多，但是一時半刻整理不完，先這樣吧。
這句拉丁古諺，意思是『終將一死』
